Je passe aux aveux

La précédente série d’articles était un pur, long moment de diversion… procrastination classique avant de me lancer dans « L’envol ». Je l’avoue volontiers ; c’est mon comportement classique !

Au moment de « Forfait illimité* », j’avais dépoussiéré ma méthode de conception de romans. Pour « Marqueur 26 », j’avais concocté une série sur les corrections. Pour « L’envol », j’ai revisité ma méthode de conception de scénarios…

C’est que… procrastiner pour ne rien faire, je ne peux pas ! J’ai besoin d’être productif. Donc je me lance toujours dans un projet connexe, certes, mais qui va me servir pour mon VRAI projet (concevoir FI correctement, corriger M26 avec panache…)

Bien sûr, vous me direz : « C’est bien beau, mais le rapport entre concevoir un scénario et te lancer sur ton nouveau manuscrit… c’est tout de même un peu tiré par les cheveux… »

Et en apparence, vous n’auriez pas tort… Cependant, ce serait sans compter sur mon machiavélisme inné. Cette dernière série, outre son intérêt pour les scénaristes, me sert de tremplin pour autre chose…

Et si, entre conception scénaristique et littéraire, il existait un hybride utilisant le meilleur des deux mondes ? C’est ÇA qui me turlupine depuis que je me suis penché sur « L’envol ». Des visions trop graphiques pour un bouquin, une psychologie trop complexe pour un film… Il ne m’en fallait pas plus pour me disperser un temps et suivre cette pente hasardeuse.

 Des différences fondamentales Lire la suite de cet article »

Fondu au noir – Conclusion

Ces étapes peuvent paraître rigides à l’artiste qui bout en vous… Néanmoins, elles sont extrêmement importantes. N’oubliez pas que l’écriture du scénario n’est qu’une facette de l’œuvre finie (le film) et non son aboutissement.

Sans rigueur, l’intrigue peut se retrouver pervertie, mal comprise ou analysée par les autres corps de métier qui vont utiliser votre script. L’écriture d’un scénario se fait au cordeau, il n’y a pas de place pour les à-peu-près, c’est une écriture rigide en soi (il n’y a qu’à voir les lourdes règles de mise en page qui s’y rattachent, sur lesquels je m’attarderais peut-être dans un autre article).

À noter cependant le cas de scénaristes/réalisateurs/producteurs, qui en cumulant un maximum des responsabilités, ont plus de marge de manœuvre.

Pas d’impasse

Il ne saurait y avoir d’impasse sur les éléments clés, à savoir :

1. La structure => Toute œuvre dramatique se doit d’en avoir une si elle vise à toucher un maximum de cœurs. Vous pouvez être contre, ce n’est pas un problème, mais vous écrirez alors pour une niche très ciblée.
2. Le plan => Personnellement j’utilise le système des cartes, c’est historique chez moi. Je pense qu’Excel, ou un logiciel spécialisé peuvent sans problème le suppléer. Chacun ses goûts et ses habitudes, le principal est d’obtenir un squelette sur lequel s’appuyer lors de l’écriture proprement dite.
3. La caractérisation => Un récit dramatique c’est l’histoire de personnages qui se battent contre les turpitudes de leur vie dans un univers défini. Leurs actions et réactions sont ce qui va définir le récit, et elles dépendent justement de leur caractérisation… Passez le temps qu’il faut sur le sujet.

Question de temps

Tous les temps indiqués (en bleu) sont purement indicatifs, il n’y a pas vraiment de maximum (du moment que vous évitez la procrastination). Je pars du principe que 1j = 7h et 1s = 35h (mais n’allez pas vous imaginer pour autant que scénariste est un boulot de bureau relax.) Il va de soi que la première fois on prend plus son temps, on cherche ses marques. Par la suite on avance plus vite.

Plus la phase d’écriture sera préparée, et plus elle sera agréable et fructueuse. Le secret est de trouver ce point particulier où on est prêt à se lancer. En cela, j’espère que cette série d’articles pourra vous aider 😉

Et après ? (ou avant, ou même pendant) Lire la suite de cet article »

Étape 6 – Le premier jet (le revêtement) (1h/p)

Il s’agit du travail d’écriture proprement dite. Une scène a certes un début, un milieu et une fin, mais il faut être court, entrer tard et sortir tôt, pas d’exposition inutile, droit au but.

• Ne pas se contenter de lire les cartes, il ne s’agit pas d’écrire une suite de sketches, mais un récit fluide et organique avec des scènes qui s’enchaînent.
• Écrire avec le cœur, ne pas hésiter une seconde si de nouvelles idées changent l’histoire (MAIS, réviser les documents de travail pour s’assurer de la pertinence et de la cohérence).
• La caractérisation des personnages passe mieux en montrant leur relation aux autres. Les mettre en situation, en action ou en réaction.
• Dévoiler les personnages petit à petit, partir d’un trait fort pour marquer le spectateur, puis nuancer leur caractère au fur et à mesure.
• Ne pas dire, mais montrer (l’action, les personnages, l’arène…)
• Toujours utiliser le conflit comme moteur, la vie du protagoniste doit être un enfer (surtout dans l’acte 2), rien ne devrait lui arriver facilement tout cru dans le bec.
• Prévoir des moments de repos au court du récit pour renforcer le conflit par contraste et éviter la monotonie du ton.
• Commencer simple, et une fois l’objectif et les personnages bien identifiés, complexifier petit à petit.
• Les dialogues doivent être limpides. Il faut les lire à haute voix pour sentir s’ils passent correctement ou pas. Ils ne doivent servir qu’à une chose : servir l’action :
  • En caractérisant celui qui parle (le contenu du dialogue est plus important que la manière de le dire)
  • En illustrant les relations entre celui qui parle et autrui
  • En informant sur les désirs et le ressenti de celui qui parle
  • En faisant avancer l’action ou en la rendant vraisemblable Lire la suite de cet article »

Étape 5 – Jouer aux cartes (les murs) (1s)

Il s’agit de visualiser le film et d’écrire succinctement chaque scène. Soit sur des cartes, soit dans un tableur, soit dans un logiciel spécialisé. L’idée est de pouvoir aisément réagencer les séquences par la suite.

Laissez couler les idées librement, mais restez succinct. Sauf si réellement capital, pas besoin de détailler les décors ni de mettre de dialogue. Privilégiez l’activité au dialogue. Mettez les personnages en situation d’action ou de réaction plutôt que de description.

Respectez l’unité d’action.

Utilisez une couleur différente pour les nœuds dramatiques principaux (point déclencheur, passage premier-deuxième acte, climax…) afin de bien les identifier.

Une fois les cartes écrites (entre 60 et 80 pour un 90-120’), revisitez leur ordre, certaines séquences gagnent en valeur en agençant l’action un peu différemment. Éviter les longues séquences au même rythme ou du même type.

Quand vous avez fini, posez-vous les bonnes questions :

• Les scènes sont-elles bien rythmées ?
• Les nœuds dramatiques principaux sont-ils bien espacés ?
• Les actions des personnages sont-elles bien motivées (et non pas là juste pour justifier l’histoire) ?
• Y a-t-il bien une relation de cause à effet entre les actions des personnages ?
• Le conflit monte-t-il bien crescendo jusqu’au climax?

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Étape 4 – Développer le récit (la charpente) (1j)

Développer les éléments des fondations (étape 2)sur environ 4 pages (1+2+1) en retraçant les actes, les nœuds dramatiques (élément déclencheur, passage premier-deuxième acte, climax…), l’objectif et les enjeux, le tout pour les principaux personnages.

Exploiter à fond la situation, les lieux et les personnages.

Une fois passé l’élément déclencheur, ce sont les actions du protagoniste essayant de surmonter ses obstacles qui devraient lui en ajouter d’autres, et non simplement survenir d’eux-mêmes.

Les conflits doivent aller croissant (en force, pas spécialement en nombre).

Ce petit récit doit répondre à plusieurs questions :

• L’objectif est-il clair ?
• Les obstacles (et donc le conflit) sont-ils bien définis ?
• Y aura-t-il une réponse émotionnelle à l’histoire de la part du public ?
• L’histoire n’est-elle pas trop prévisible ?
• Les évènements sont-ils cohérents et plausibles (pas forcément possibles, mais réalistes selon les critères de l’univers dépeint) ?

En résumé Lire la suite de cet article »